Come si può vedere dall'esempio a sinistra questo strumento ha ottenuto il nostro scopo ed ha scurito lo sfondo dietro la modella, ma ha anche scurito troppo il primo piano, facendo perdere molti dettagli che volevamo lasciare. Ci viene a questo punto molto comodo il fatto di aver lavorato su di una copia e che il livello originale si trova sotto. Infatti è sufficiente prendere lo strumento "GOMMA" e cancellare le parti che ci sembrano troppo scure, lasciando passare parti della foto sottostante fintantochè l'effetto ci sembra efficace (lo si è fatto sia sul corpo della modella che sui lati in alto della foto che avevano un vistoso effetto vignettatura). A questo punto compattiamo i livelli facendoli diventare un'unico livello (dalla finestra livelli/unisci livelli)...e solo a questo punto possiamo riconvertirla in bianco e nero utilizzando la funzione "bianco e nero" descritta prima. Questo pannello ha dei valori preimpostati che possiamo utilizzare per vedere l'effetto che fanno, e magari ne troviamo uno che va già bene per i nostri scopi. Quello che più si prestava a questo soggetto era la funzione "massimo bianco". Ma anche dopo averlo utilizzato questa finestra consente ulteriori modifiche di fino agendo sui cursori dei vari colori. Spostando i cursori del ciano e del verde tutti a sinistra ci sembra di esserci avvicinati di molto a quello che ci eravamo prefissati.

Non ci resta quindi che Ritagliare la foto in base a quelle proporzioni che i nostri occhi vedonoo o vanno a ricercare. In questo specifico caso già in fase di scatto si era data all'intera composizione un taglio di questo tipo, ma per sicurezza si era tenuto un pò più larga l'immagine, proprio per poter dopo "perfezionare il tiro" in fase di post-produzione. Questo perchè occorre sempre prestare massima cura alla fase di scatto e non pensare che "dopo" si possa fare miracoli.

Se osserviamo bene la foto di partenza la modella è posta su un piano roccioso che si trova "quasi" ad un terzo della composizione (la famosa regola dei "terzi"). Non ci resta quindi che ritagliare la foto affinchè la parte in alto formi un quadrato perfetto e quella in basso un rettangolo il cui lato inferiore sia esattamente la META' del quadrato di cui sopra. Per inciso queste proporzioni corrispondono ai fogli di carta in formato UNI e visualizzano un rettangolo armonico. Noi magari non ce ne accorgiamo, ma la nostra mente SI e ne percepisce una proporzione che da armonia all'insieme. Se vogliamo poi sfoggiare una cultura "umanistica", possiamo citare che questo rettangolo in maniera sufficientemente precisa, ha il lato lungo pari al lato corto per radice quadrata di 2 (1,41). E' sempre stato considerato il massimo della proporzione sin dai tempi dei greci che su questo rettangolo hanno progettato i loro templi per i loro Dei. Ma tornando alla nostra foto, rischierebbe di rimanere "statica" se non avessimo introdotto un elemento dinamico, rappresentato dall'acqua. Infatti sia la roccia sia la modella costituiscono degli elementi STATICI ed occorreva rendere la composizione più dinamica. In questo caso il getto della cascata è stato posto sulla diagonale che partendo in alto a sinistra cade verso l'angolo in basso a destra. Non vogliamo a questo punto calcare troppo la mano di quella che potrebbe apparire semplice coincidenza (visto che siamo anche gli autori della foto)...ma se osserviamo la luce di tutta la composizione, viene anche lei scendendo in alto a sinistra. Questo tipo di illuminazione e' stata codificata sin dai tempi dei pittori fiamminghi come la migliore illuminazione per mettere in risalto un soggetto (pittorico ed ora fotografico). Da Rembrandt in poi moltissimi pittori e fotografi ne han fatto tesoro e lo hanno applicato nelle loro realizzazioni.

LUMINOSITA' / CONTRASTO ........... BRUCIA / SCHERMA

A questo punto non ci restano che i ritocchi finali. Sequendo la sequenza che ci aveva indicato Ansel Adams in premesse, dopo la "visualizzazione" ed una "corretta esposizione" e aggiungiamo "composizione" fatta all'atto dello scatto, ci rimane la fase aggiustaggio di luminosità e contrasto nella nostra camera oscura virtuale.
Come abbiamo visto, il nostro laboratorio fotografico aveva diverse armi per accentuare le parti della foto e mettere in risalto quello che volevamo, ma adesso possiamo allontanarci un attimo dalla foto, osservarla nel suo insieme e vedere se necessita di qualche aggiustatina ai parametri luminosità e contrasto. Per la luminosità ed il contrasto vi son molti metodi e ritengo inutile elencarli tutti. Si va dalla specifica finestra di photoshop (luminosità/contrasto) a quella dei livelli di regolazione, che ha il vantaggio di fornirti anche un istogramma per capire se vi sono delle zone poco esposte. Una utilissima è quella delle CURVE. Strumento potente e poco sfruttato dalle enormi potenzialità.

La finestra Curve ci consente anche la regolazione del contrasto, sempre in maniera molto "scientifica". Nella finestra con l'istogramma vi son dei quadretti. Se col mouse ci mettiamo all'incrocio dei quadretti possiamo creare TRE punti per modificare quella curva che all'origine è una linea retta. La modifica in una doppia curva (come indicato nella figura a destra) consente di aumentare il contrasto sia nelle zone d'ombra sia in quella delle luci. Importante come sempre è non eccedere.

Sinora abbiamo utilizzato strumenti abbastanza "impersonali" ma è giunto il momento di dare il tocco dell Artista alla nostra "foto perfetta". Questo può avvenire con dei "pennelli" chiamati Brucia e Scherma. (li troviamo sulla barra a destra in photoshop). Sia come simboli che come funzione, sono gli equivalenti di due operazioni fondamentali che chi ha lavorato il bianco e nero in camera oscura ricorda molto bene. Spessissimo occorreva intervenire in certe zone della foto per dare più dettaglio o per scurire. A volte si utilizzavano le mani per impedire alla luce dell'ingranditore di colpire certe zone della carta sensibile o per dare maggiore luce in zone che il negativo aveva lasciato molto "dense". Sembrava quasi di giocare alle ombre cinesi, cercando di adattare le proprie mani alle forme mutevoli dei dettagli delle foto. Se si voleva un lavoro accurato occorreva ritagliare delle forme apposite con dei cartoncini, che venivano tenuti sospesi sulla foto in varie maniere. Ebbene tutto questo fa parte del passato. Adesso queste operazioni "manuali" che davano l'impressione di essere dei "veri" artisti, li ritroviamo tali e quali in digitale...con l'indubbio vantaggio di avere il controllo completo su tutte le operazioni e anche poter ritornare sui propri passi qualora il risultato non fosse all'altezza delle nostre aspettative.

Se ci può consolare questi strumenti sono usati da fotografi professionisti e molto quotati che ne hanno fatto il segreto del loro successo. Con quest'ultimo tocco ognuno di noi può esprimere il proprio gusto per esaltare certe zone. Non c'è a questo punto alcuna regola scritta da seguire se non quella della propria creatività.
Come al solito, quando si tratta di interventi che possono essere distruttivi di dettagli, è sempre preferibile DUPLICARE il livello della foto. Per rendere piu' "SOFT" questi effetti una volta ultimati possiamo rendere trasparente il livello con queste ultime correzioni in modo da lasciar trasparire dei dettagli dalla foto sottostante. La percentuale di trasparenza potrà essere maggiore o minore a secondo del nostro gusto.

Alla fine compattare i livelli e salvare possibilmente in TIFF (formato senza perdita di informazioni) o anche in formato photoshop. Se abbiamo messo nelle preferenze di questo splendido programma la possibilità di memorizzare sino a oltre 100 passaggi, se salviamo col formato proprietario, quando tra un mese o tra un anno, apriremo questa foto, ci troveremo in memoria anche tutti i passaggi che abbiamo fatto. Non è detto che allora avremo scoperto nuove funzioni o avremo una diversa sensibilità e potremo ritornare sui nostri passi e cercare di migliorare quella che continuiamo a chiamare la "foto perfetta".

a cura di vincenzo di gregorio